Brussels Design September 2013

05 > 30 septembre

http://www.designseptember.be/

Design September, devenu le rendez-vous annuel et incontournable pour les passionnés du design, englobe plus de 100 événements culturels et commerciaux à Bruxelles.  La ville devient, pendant un mois, la plateforme de rencontre de nombreux designers belges et donne également la place à des designers internationaux. Le festival continue à  mettre en valeur les différentes applications du design et les relations multidisciplinaires à travers le design: le mobilier, l’architecture, le graphisme et le textile… Une grande diversité d’événements qualitatifs, proposés par de nombreuses associations et organisations indépendantes, enrichit le volet culturel de Design September ; des expositions, des conférences, un marché du design, un Pecha Kucha, des visites d’ateliers de designers bruxellois, …

Comme chaque année un grand nombre de créateurs émergeants participent à ce parcours urbain.

Pendant tout le mois, les magasins participants, pop-up stores et flagship stores emblématiques du design, feront une mise en scène particulière autour d’une marque et/ou d’un designer et de ses nouveaux produits.

Cette année Commerce Design Brussels se fera en synergie avec Design September.

Suite à l’initiative prise par la Ville de Montréal en 1995, le concours Commerce Design Brussels, encourage comme dans d’autres villes les collaborations entre commerçants et professionnels du design au sein de la Région bruxelloise. Grâce au soutien d’Atrium et de Mad Brussels le concours pourra atteindre une large cible de commerçants et designers concernés à Bruxelles .
Dès 2013 le prix sera remis sur base annuelle et non biannuelle afin de suivre la dynamique et l’évolution des aménagements des commerces dans la ville de Bruxelles

LES NOUVEAUTES 2013 :

Commerce Design Awards

En septembre les 10 lauréats seront annoncés. Le public pourra alors voter pour le meilleur commerce ayant travaillé en collaboration avec un professionnel du design dans les trois dernières années.

Plateformes créatives

Cette année plusieurs plateformes créatives sont mises en places. Le Recyclart accueille 4 événements. On y retrouvera, Waste’up, Last Song, La Pecha Kucha, Julie Calbert et un point d’information sur Design September et la Galerie Bortier accueillera un point information, la rétrospective du Prix Fernanr Baudin, La  Galerie Crypte tonique montrera ses dernières créations, Seat &Read et Les Sagas, le magasin sans doute le plus pointu dans le savoir faire familial en Belgique, ouvrira ses portes pour accueillir un véritable atelier de la Maison Fabre.

Participation de nouvelles et jeunes marques belges

Marina Bautier voulait lancer sa marque, La Maison MA, et son magasin depuis 2 ans, elle l’a fait en mai de cette année et en septembre elle ouvrira ses portes au public de Design September. Linadura, Liparus, deux jeunes marques belges, seront représentées à l’atelier de Mathias van de Walle durant les Open Doors.  Quant à Objekten, la marque incarne une nouvelle génération de marques Européennes et montrera ses nouveaux produits durant les open doors aux Chateaux d’Eau, et pour finir Makers With agendas co-fondée par Julien de Smedt et William Ravn sera lancée en septembre avec une série de produits qui s’adressent à notre nouvelle société. « A travers l’observation, la recherche et la curiosité, nous découvrons les bizarreries, les particularités et les nouvelles idées qui se cachent dans des endroits inattendus. »

Le chemin vers la fabrication, les anciennes techniques, dessins et habitudes inspirent de nouvelles réalisations et sont combinées avec de nouvelles technologies, de nouveaux matériaux, de nouvelles typologies… notre savoir-faire (Belge) évolue constamment.

Un fil conducteur, comme chaque année, les événements s’inscrivant à Brussels Design September sont désireux de faire découvrir un nouveau savoir-faire, des nouvelles techniques, le processus de réalisation.

Nouvelles ou anciennes techniques (familiales) sont explorées dans tous les domaines.

Les Sagas, le magasin et les produits venant d’un savoir-faire familial. One&Only sera un PopUP atelier et shop de textile et produit exclusifs au Bloom Hotel, Linda Topic explore l’incroyable collection de dessins Art Nouveau Marc Van Hoe pour la faire revivre dans de nouvelles réalisations. 10 jeunes designers collaborent avec Eternum pour 10 nouvelles collections de couverts. Linda Topic et Antonin Bachet exposent leur collection de tapis en feutre chez Wabi Sabi, MAD Brussels montre une réelle collection de projet autour du MAD ( e ) in Brussels…

Design September, plateforme internationale

Hong Kong Designers w will be present at The Egg Brussels, and will also be official partner of Brussels Design September. la République Thèque fera découvrir ses industries cachées à la maison de Prague, La Pologne montrera une collection remarquable d’affiches au Bozar, La Hongrie elle exposera la revalorisation de la broderie et du savoir-faire dans le graphisme, le Portugal, quant à lui, fera découvrir ses designers et son savoir-faire au Marolles, des designer Espagnols basés en Angleterre montrerons une nouvelle collection  à la rue de la Senne… Et n’oublions pas les conférenciers venant des quatre coins de l’Europe cette année pour expliquer leur parcours dans l’univers du design.

Mais cette année aussi :

Parcours Textile (collaboration avec MoOD)

Pop Up Restaurant & Pop Up Shops

Et un grand nombre de curiosités à découvrir

…

Rédaction EIPA

(avec Agence Caracas)

de Yann , Roman Surzhenko

Editeur : Lombard

Le Mage Azzalepstön a convaincu Louve de dissocier sa personnalité afin d’éliminer toute violence en elle. Mais elle se sent prise au piège et veut réunir ses 2 moitiés. Elle tente alors de récupérer sa vraie personnalité tandis que sa « part sauvage » veut retrouver la main du dieu Tyr pour le compte du Mage, qui pourra alors augmenter ses pouvoirs. En échange de cette main, sa « part sauvage » obtiendra une liberté totale, ce qui signifie la mort de la véritable Louve !

« Tout comme son double, Louve doit se mettre en quête de la main coupée du Dieu Tyr. Rendez-vous est pris sur les terres du terrible Fenrir. Une suite plaisante, joliment dessinée, s’imbriquant parfaitement dans la saga originelle. »

« Enfant des étoiles recueilli par les vikings, soumis à la colère des dieux et à la jalousie des hommes, Thorgal n’a de cesse de parcourir le monde pour trouver la paix et la liberté pour lui et ses proches. Au fil de ses voyages, amis et ennemis se croisent sa route. Ce sont les aventures de ces personnages, tantôt attachants, tantôt inquiétants, ainsi que celles des membres de sa famille que vous pourrez désormais découvrir dans les mondes de Thorgal. »

L’HISTOIRE :

Après avoir du affronter, avec l’aide de Griz, Raïssa, une louve maléfique, Louve fille de Thorgal a du prendre la fuite en empruntant un étrange souterrain. Ainsi, elle se retrouve dans un royaume merveilleux, accueillie par des êtres pacifistes. Elle fait la rencontre du maître des lieux, le mage Azzalepstön. L’homme est doué d’incroyables pouvoirs et il montre à la jeune fille un pan de son avenir. Celui où elle fait courir la lame tranchante d’un couteau sur le cou de son père. Pour empêcher ce mauvais présage, Azzalepstön lui propose un marché : la libérer de sa part sauvage en l’enfermant dans une petite fiole en verre. Mais dés que Louve a le dos tourné, il libère son double sauvage et l’invite à rejoindre le Royaume du Chaos pour aller chercher la main coupée du Dieu Tyr. Une fois cette mission accomplie, la Louve sauvage sera libre à jamais. L’autre n’existera plus.

Vêtue d’une peau animale, la petite gagne de sombres marécages. Affamée, elle parvient à rejoindre une sorte de monument en pierre. Elle y constate douloureusement qu’elle n’est pas la première à pénétrer ici avec cette mission. D’ailleurs, elle ne tarde pas à découvrir qu’elle n’est pas vraiment seule dans cet endroit inhospitalier. De son coté, l’autre Louve s’ennuie dans son palais des merveilles. Aussi, avec la complicité du jeune Hicham, imagine t-elle un stratagème pour quitter l’endroit et libérer de leur étui de verre les doubles prisonniers…

REVUE DE PRESSE /

La Chronique de Myc sur Coin BD :

« Les mondes de Thorgal ont été créés pour développer l’univers du viking éponyme, notamment vis à vis de l’entourage du héros. Jolan a pendant un temps pris la place de son père dans la série principale, bien que ce dernier ait repris la vedette, mais il fallait une série pour les personnages féminin de la famille, c’est le rôle du spin off Les Mondes de Thorgal - Louve.

J’avoue que j’avais été assez déçu par le premier tome. Je n’avais pas accroché au niveau du scénario. J’ai toujours eu un faible pour ce personnage, (si ma femme avait accepté j’aurais d’ailleurs appelé ma fille ainsi), et je ne la reconnaissais pas dans ce premier tome.

Je suis plus convaincu par ce deuxième tome. Yann a avancé dans son scénario, et on sent qu’il maîtrise davantage son sujet. Même si le lecteur ne sait pas où il veut le mener, au moins sent-il qu’il y a un chemin.

L’artifice de la séparation en deux personnalités distinctes de Louve permet de développer les différents aspects de l’héroïne.

Graphiquement, Surzhenko fait du très bon travail. Il respecte parfaitement la charte graphique mise en place par Rosinski. C’est peut être justement un peu trop proche du trait du maître, mais il faut savoir que c’est une volonté éditoriale d’avoir un univers graphiquement cohérent.

Un deuxième tome plus intéressante que le premier donc, même si pour l’instant, contrairement à l’autre série parallèle Kriss de Valnor, elle n’est pas forcement indispensable à la compréhension de la série principale. »

REVUE DE PRESSE /

La critique de Planète BD :

« Ce qu’on en pense sur la planète BD :  Une première rencontre (en demi teinte) avec ce spin-off de la cultissime saga viking, nous avait fait partager la fugue mouvementée de la cadette des enfants de Thorgal. A la confrontation avec une meute de loups aux mystérieux desseins (longue et peu intéressante…), avait suivi une invitation dans le royaume merveilleux d’un étrange mage aux projets tout aussi inquiétant. Cette suite précise les intentions du récit, en confiant à la petite Louve - et à son double sauvage - une aventure digne de son papa. Tout est là qui palpite en parfaite harmonie avec la série mère : légende et mythologie viking, pouvoirs surnaturels, manichéisme, part d’ombre de chacun et velléités aventureuses (avec bestioles monstrueuses, féeriques ou mécaniques, peaux de bête et flèches à décocher). En jeu pour notre petite : récupérer la dextre (la main droite) d’un Dieu, gardée par une gigantesque bête sauvage. Et par là-même, retrouver son double… pour éviter qu’il la fasse disparaître à jamais. L’ensemble est parfaitement ficelé et s’amuse de sympathiques clins d’œil aux opus de la série principale (Aaricia ou encore La gardienne des Clés et bien sûr Le Bateau-Sabre). Bref, juste ce qu’il faut de captivant. Mais on doit tout de même reconnaître qu’il manque encore un peu de « peps » pour créer de délicieuses surprises capables de faire couler l’adrénaline et de nous happer à volonté. Enfin, surtout, ce spin-off peine à acquérir son indépendance. Il égraine ainsi le fil du récit principal en parallèle des péripéties de Thorgal (tome 33). Principalement, d’ailleurs, sous l’égide de quelques intrigues entrevues ici avec le personnage d’Aaricia. Cette manière de faire offre toute sa cohérence à l’ensemble du projet (saga principale + Les Mondes). Il justifie aussi le choix d’avoir fait évoluer ce spin-off au même « niveau temporel » que l’actuel déroulement de la série-mère. Mais il empêche réellement le personnage de Louve de s’émanciper. Quid, par exemple, de l’élément principal de la personnalité de cette dernière - sa capacité à communiquer avec les animaux - quasiment pas exploitée ? Gageons qu’il en reste encore sous la pédale pour éviter que Louve serve uniquement de faire-valoir… ou à calmer notre impatience d’un futur épisode de Thorgal ».

http://www.planetebd.com/bd/le-lombard/les-mondes-de-thorgal/la-main-coupee-du-dieu-tyr/17598.html

Henri Cambon, Françoise Cambon, Christelle Bellec

Jacqueline Duroc (Préfacier), Jacques Juloux

Photographies des oeuvres : Henri Cambon

éditions Lelivredart.

Cet ouvrage est bien plus qu’un simple livre d’art. C’est un livre d’images très riche : il ne compte pas moins de 80 reproductions couleur des oeuvres d’Andrée Lavieille. C’est aussi la trace d’une importante exposition : la rétrospective qui s’est déroulée à La Longère, à Clohars-Carnoët du 7 avril au 8 mai 2012, présentait des toiles caractéristiques de l’évolution stylistique de l’artiste.

« La Bretagne correspondait, pour Andrée Lavieille, à tout ce qu’elle aimait : elle y a trouvé la grandeur, la liberté, la fantaisie, le côté sauvage en même temps que tendre et elle a su la traduire telle qu’elle était pour elle et telle qu’elle la voyait. [...] Elle y respirait mieux, elle y était heureuse… Son art y a évolué, se simplifiant, devenant plus hardi… »

C’est surtout un ouvrage particulièrement émouvant : ce sont ses enfants et petits-enfants, Françoise Cambon (sa fille) et Henri Cambon (son petit-fils) qui ont réuni la plupart des documents, des souvenirs et des oeuvres en vue de l’exposition, et qui ont rédigés une partie des textes ici présentés.

Andrée Lavieille est loin d’être la première artiste à avoir été conquise par les paysages et la lumière des côtes bretonnes. La Bretagne dans son ensemble, et plus particulièrement la commune de Clohars-Carnoët - entre Lorient et Concarneau, non loin de Pont-Aven -, est depuis longtemps une terre d’accueil pour les artistes. L’ombre de Gauguin, de Sérusier et de nombreux autres après eux plane encore sur ces lieux.

La municipalité de Clohars-Carnoët, en créant la galerie La Longère en 2010, a décidé de mettre en valeur un patrimoine artistique particulièrement riche. La programmation d’expositions temporaires - telle que la rétrospective consacrée à Andrée Lavieille - relayées par des publications, témoigne d’une politique culturelle active qu’il convient de saluer. L’attachement d’Andrée Lavieille pour ces terres ravive donc une certaine tradition, même si on ne trouve pas chez elle la volonté de s’inscrire dans la lignée des grands peintres passés par là.

La Bretagne n’était pas pour elle un lieu de pèlerinage, mais simplement une destination estivale qui l’avait profondément séduite.

Ouvrage réalisé à l’occasion d’une exposition consacrée à Andrée Lavieille, qui s’est tenue du 7 avril au 8 mai 2012 dans la Galerie municipale La Longère de Clohars-Carnoët (Finistère)

SOMMAIRE :

Avant-propos, par Jacques Juloux, maire de Clohars-Carnoët (p. 3)

Andrée Lavieille à La Longère de Clohars-Carnoët, par Christelle Bellec, Responsable du Service culturel de Clohars-Carnoët (p. 4)

Andrée Lavieille parmi les peintres de la Bretagne, par Jacqueline Duroc, Docteur en histoire de l’art (p. 5)

Andrée Lavieille et la Bretagne, par Françoise Cambon, fille d’Andrée Lavieille (p. 6)

Une famille d’artistes : arbre généalogique (p. 7)

Biographie en quelques dates (p.

Participations d’Andrée Lavieille à des expositions et à des salons (p. 9)

Vie et oeuvre d’Andrée Lavieille, par Henri Cambon, petit-fils d’Andrée Lavieille (p. 10-13)

Les oeuvres présentées (Le milieu familial et artistique ; Elle-même ; Des oeuvres du début ; Peintre de la lumière et de l’espace ; Une peinture intimiste) (p. 14-59)

Légendes des oeuvres présentées (p. 60-63)

Quelques documents (p. 64)

QUELQUES EXTRAITS :

“La rétrospective sur Andrée Lavieille est un de ces moments privilégiés voulus par la commune. Il s’agit de faire découvrir à tous un de ces artistes de talent, ici une femme peintre, dont la pratique de la peinture est inspirée par les paysages de Clohars-Carnoët. Sont réunies à La Longère des toiles caractéristiques de l’évolution artistique d’Andrée Lavieille immortalisant Le Pouldu. Les visiteurs peuvent également apprécier d’autres paysages bretons, comme la pointe du Van ou encore des vues de Gironde. C’est aussi une vie de femme qui est évoquée grâce aux oeuvres et aux divers objets exposés.” Par Jacques Juloux, maire de Clohars-Carnoët

“Son approche du paysage à l’écart du pittoresque, ses natures mortes en plein air, son sens de la couleur délicate, sa prédilection pour l’aquarelle, idéale pour transcrire la fugacité des effets lumineux, font la singularité d’Andrée Lavieille au sein de la peinture en Bretagne.”

Par Jacqueline Duroc, Docteur en histoire de l’art

“La Bretagne correspondait, pour Andrée Lavieille, à tout ce qu’elle aimait : elle y a trouvé la grandeur, la liberté, la fantaisie, le côté sauvage en même temps que tendre et elle a su la traduire telle qu’elle était pour elle et telle qu’elle la voyait.”

Par Françoise Cambon, fille d’Andrée Lavieille

LE BLOG :

http://andree-lavieille.blogspot.com/2012/07/une-femme-peintre-au-pouldu-andree.html

REGARD SUR L’EXPO :

Ouvrage publié à l’occasion de l’exposition Une femme peintre au Pouldu, Andrée Lavieille, 1887-1960.

Galerie municipale La Longère

du 7 avril au 8 mai 2012

En savoir plus :

www.clohars-carnoet.fr

Auteur : Collectif

Editeur : Le Livre D’Art

EAN13 : 9782355321221

Genre : PEINTURE / DESSIN D’ART

Langue : français

Format : 290×220

Charles Dancla

Préface d’Étienne Jardin

Editeur Symétrie

Ecrits de Charles Dancla, violoniste et compositeur français, professeur de violon du Conservatoire de Paris. Auteur d’oeuvres pédagogiques, il est considéré comme le dernier représentant de l’école classique du violon français. Il voue une grande admiration pour deux célèbres violonistes : Paganini et Pierre Baillot.

Charles Dancla (1817-1907), dont les ouvrages à vocation pédagogique restent des piliers de la culture violonistique des futurs musiciens, fut une figure majeure de la vie musicale française du XIXe siècle.  Violon solo de la Société des concerts du Conservatoire et de l’orchestre de l’opéra de Paris, il fut, pendant 32 ans, le titulaire de la classe de violon du Conservatoire de Paris. Outre ses œuvres didactiques, Dancla tenta la composition sérieuse à travers le Concours du Prix de Rome dont il fut, en 1838, Second grand prix.

Les éditions Symétrie, en collaboration avec le Palazetto Bru Zane, offrent au public un ouvrage centré sur les écrits de ce musicien.

EXTRAIT :

« J’avais treize ans lorsque j’entendis Paganini. Homme étrange, fantastique, doué d’une puissance prodigieuse de mécanisme. Quelle justesse, quelle sûreté dans le trait, quelle chaleur sympathique dans le son !? C’est dans sa musique surtout qu’il était inimitable. Les œuvres de Viotti, de Rode, de Kreutzer convenaient moins à sa nature nerveuse, fiévreuse même. Pour l’interprétation de Viotti qui demande une variété d’accent extraordinaire, il fallait l’archet fulgurant de Baillot.? On ne pouvait du reste faire de comparaison entre ces deux grands artistes. Certes Paganini n’eût pas joué comme Baillot le sublime Quatuor en ré mineur de Mozart ou le Septuor de Beethoven, mais, par contre, Baillot aurait été peu à son aise dans l’exécution diabolique de la musique de Paganini. Non que Baillot manquât de mécanisme, mais son tempérament le portait à éviter ce qu’il appelait les grandes excentricités.? Il me semble toujours voir Paganini tant il m’a frappé : son violon chante encore à mes oreilles. »

BIOGRAPHIE DE CHARLES DANCLA

Essentiellement connu aujourd’hui pour ses nombreux ouvrages pédagogiques, écrits alors qu’il tenait l’une des classes de violon au Conservatoire de Paris (1855-1892), Charles Dancla occupa, en tant que violoniste, une place importante dans la vie musicale parisienne à partir de la monarchie de Juillet. Élève de Pierre Baillot, il a contribué à transmettre l’héritage technique et esthétique de celui-ci jusqu’à la fin du XIXe siècle : au Conservatoire, dans ses publications et en organisant des séances de musique de chambre à partir de 1838 aux côtés de ses frères Léopold et Arnaud.

Les quatuors et trios qu’il écrivit pour ces séances lui valurent l’obtention du premier prix Chartier (en 1861).

REVUE DE PRESSE /

La critique de Resmusica :

« Comme toujours le soin éditorial est des plus satisfaisants avec une édition très complète et enrichie d’un index. Au fil de ces Notes et souvenirs, on voit défiler une vie de musicien à une période majeure de l’histoire de la musique en France. L’artiste ne cache pas son admiration pour Paganini ou pour les piliers de l’école franco-belge comme Charles de Bériot ou Henri Vieuxtemps.

A travers ses yeux, le lecteur perçoit le quotidien d’une carrière artistique avec ses succès, ses déceptions ou ses développements inattendus. Ainsi, en dépit de son talent et de la reconnaissance de ses pairs, Dancla fut obligé, entre 1848 et 1857 de devenir Directeur des postes à Cholet, puis Paris. La vie d’artiste ne pouvant (comme trop souvent) nourrir convenablement son homme. A travers ses écrits, Dancla cherche également à présenter, aux jeunes générations, son point de vue le jeu des musiciens et la manière d’interpréter les œuvres. On ne sera pas surpris de lire les propos d’un homme marqué par les compositeurs de sa jeunesse et qui cherche à défendre, à travers l’institution du Conservatoire, la supériorité des classiques sur les modernes.

Même si le style est parfois un peu brut de fonderie, la qualité de ce témoignage est un atout pour ce livre qui se glissera facilement dans toutes les bonnes bibliothèques des amateurs de violon et d’histoire de la musique. »

http://www.resmusica.com/2012/07/15/charles-dancla-memoires-de-musicien/

Symétrie

ISBN : 978-2-914373-88-3

EAN : 9782914373883

Broché

«The Andy Warhol: 15 Minutes Eternal»

A Shangai jusqu’au 28 juillet.

Rédaction EIPA avec Le Temps (Suisse)

Le musée d’art contemporain de Shanghai a ouvert une grande rétrospective Andy Warhol. Trois cents oeuvres ont fait le voyage, mais… manquent les célèbres portraits de Mao, réalisés par le pape du pop art dans la foulée du voyage de Nixon en Chine, en 1972. Signe révélateur de la relation compliquée entre l’art et la politique en Chine

Photo Album de l’Expo sur la PAGE FACEBOOK de EIPA-CONFRONTATIONS :

https://www.facebook.com/media/set/?set=a.536077439772338.1073741825.238876469492438&type=1

Video de l’expo sur la site du TEMPS :

http://www.letemps.ch/Page/Uuid/0c6ef6f2-b94e-11e2-a31c-6d0e778a8e50/Andy_Warhol_à_Shangaï#.UY-9Sb5V1dg

Le Website de l’expo (en Anglais) :

http://www.powerstationofart.org/en/exhibition/overview/5d1cps.html

Apr 29, 2013 - Jul 28, 2013

Power Station of Art

Artist: Andy Warhol

Organizer: The Andy Warhol Museum, One of the four Carnegie Museums of Pittsburgh，Power Station of Art

THE POWER STATION OF ART LATEST EXHIBITION ‘ANDY WARHOL: 15 MINUTES ETERNAL’

‘Andy Warhol: 15 Minutes Eternal’ is the largest retrospective of Warhol’s artwork to travel to Asia, spanning his career from the 1940s to 1980s. The exhibition is arranged by decade and features more than 400 paintings, photographs, screen prints, drawings, and sculptures. Iconic works in the exhibition include ‘Campbell’s Soup’ (1961), ‘Silver Liz’ (1963), ‘Jackie’ (1964), ‘Silver Clouds’ (1966), ‘Marilyn Monroe’ (1967) and ‘Self-Portrait’ (1986).

In addition to his renowned output as a painter and printmaker, ‘15 Minutes Eternal’ includes key examples of Warhol’s films - such as ‘Empire’ (1964), his 8-hour portrait of New York’s Empire State Building - and reveals his continuing influence on younger generations of filmmakers and video artists.

The exhibition also gives insights into Warhol’s life and social world through photography and examples of his ‘Time Capsules’ - a serial artwork, spanning a thirty-year period from the early 1960s to his death in 1987, that consists of 612 containers (mainly standard-sized cardboard boxes), which Warhol used to manage the bewildering quantity of material that routinely passed through his life.

The exhibition, sponsored by BNY Mellon and jointly presented by PSA and The Andy Warhol Museum, chronicles the breadth of Warhol’s career and demonstrates the scope of his interests. It is planned to travel to five Asian cities over 27 months, and it’s now in Shanghai. Following Singapore, Hong Kong and Shanghai, the exhibition will then tour to Beijing, and finally Tokyo in 2014.

1930S - 1940S EALY LIFE

Andy Warhol spent his formative years during the 1930s in a family of immigrants struggling to make a living in America. Like scores before them, Warhol’s parents, Andrej and Julia Warhola, left their homeland in Eastern Europe in search of a better life. Devout Byzantine Catholics, the family regularly attended mass and observed the rich traditions of their Eastern European heritage.

Warhol’s parents encouraged the development of his creative talents from early childhood and enrolled him in Saturday art classes at Carnegie Institute, which Warhol attended for about three years beginning in the fourth grade. Andrej Warhola had always intended for Andy to attend college and before he died in 1942 set aside funds for his youngest son’s education. After graduating from Schenley High School in 1945, Warhol enrolled at Carnegie Institute of Technology (now Carnegie Mellon University).

After attending college from 1945 to 1949, Warhol earned a Bachelor of Fine Arts degree from the school’s highly regarded Painting and Design Department. During these years, he developed his talent and skill as an artist and stood out among his peers because of his fresh and innovative ideas.

1950S LIFE IN NEW YORK

Immediately after graduating from college in 1949, Andy Warhol left Pittsburgh for

New York, and soon found work as a commercial illustrator for Glamour and other fashion magazines. Warhol’s drawings of shoes for I. Miller became a sensational success, and he soon purchased his first house in New York. His mother came to live with him and worked closely with Warhol, becoming one of his assistants along with Vito Giallo and Nathan Gluck. During the 1950s, Warhol established himself as one of the most successful illustrators of his time, winning numerous industry awards including recognition from his peers at the Art Directors Club, the American Institute of Graphic Arts, and the Society of Illustrators. Andy Warhol’s success in illustration was largely due to his ability to create art very quickly and his absolute willingness to respond to the revisions demanded by commercial art directors. By the mid-1950s Warhol earned about $50,000 a year, an incredible salary for such a young artist at that time.

After traveling around the world in 1956, Warhol decided that his ambitions exceeded the bounds of the commercial art world. For the first time since his student years, he returned to painting on canvas and began making friends in the contemporary art scene in downtown Manhattan, which embraced new forms in all the arts, including dance, performance, and film.

1960S THE FACTORY YEARS

As Warhol devoted more energy to painting, he turned to newspapers, advertisements, comic strips, and other miscellaneous pop culture material for subject matter. In July 1962 Warhol had his first solo show of Pop Art, exhibiting his Campbell’s Soup Can paintings at Ferus Gallery in Los Angeles. The show had just closed when Warhol heard of Marilyn Monroe’s death. Shortly afterward he used a cropped publicity still from Monroe’s 1953 film Niagara as the basis for his now iconic portraits of the Superstar.

In 1964, Andy Warhol moved his studio to the Upper East Side in New York. Billy Name, a photographer and artist painted the whole interior with silver metallic paint. This silver-painted studio, known as the Factory, became world-famous as the place to be and be seen in New York City. Here, Warhol made larger paintings, as well as sculptures and films with Gerard Malanga and other assistants. At night Warhol and his entourage congregated at Max’s Kansas City, an artists’ bar on Union Square.

By the late 1960s, Warhol’s paintings had become definitive emblems of American Pop Art. His life was marked by frenetic activity, which continued until June 3, 1968 when Valerie Solanas shot and critically injured him. Solanas had briefly appeared in Warhol’s film I, a Man.

1970S - 1980S EXPOSURES AND FAME

The 1970s was an incredibly dynamic decade for Andy Warhol. In these years, he created some of his most ambitious paintings and prolific numbers of prints and photographs. In 1973 Warhol moved his studio to a larger space at 860 Broadway to accommodate the activities of Andy Warhol Enterprises. During the studio move, Warhol initiated his series of boxed Time Capsules as a method of organizing clutter. He also began recording his movements and expenses in daily conversations with his secretary Pat Hackett. This account of his life and times was published after his death as The Andy Warhol Diaries.

Interview magazine, which he founded in 1969, became a chronicle of the period and brought together the worlds of art, fashion, high society, film, and modeling. Warhol’s self transformation was complete-from a leather-clad artist to coat-and-tie businessman, all while maintaining his avant-garde credentials. Hundreds of portrait commissions from wealthy socialites, music and film stars, and other clients ensued as Warhol’s vast social network grew. Celebrity friends such as Jacqueline Kennedy

Onassis, fashion designer Halston, actress Liza Minnelli, and writer Truman Capote are well documented in Warhol’s photographs of this decade. Meanwhile, a series of museum exhibitions in the United States and Europe assured his reputation as an artist.

Having reached the pinnacle of success in the art world, Warhol chose to collaborate with a number of young emerging artists in the 1980s, including Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, and Keith Haring. In these adventurous collaborations, Warhol returned to painting with a brush, briefly abandoning the silkscreen method he had used exclusively since 1962. Other new ventures included the launch of Warhol’s television programs, Andy Warhol’s T.V. and Andy Warhol’s Fifteen Minutes broadcast on New York cable television and nationally on MTV. He created work for Saturday Night Live, appeared in an episode of The Love Boat, and produced music videos for rock bands such as The Cars. Warhol also signed with a few modeling agencies, appearing in fashion shows and numerous print and television ads. Warhol’s final two exhibitions were his series of Last Supper paintings, shown in Milan, and Sewn Photos (multiple prints of identical photos sewn together in a grid), exhibited in New York. Both shows opened in January 1987, one month before his unexpected death due to complications from gallbladder surgery.

“Fascinated by the glitterati, Warhol remains a complex and often misunderstood person 25 years after his death, whose artwork depicting consumer objects such as Heinz ketchup boxes, and paintings of Marilyn Monroe have been imprinted into our collective consciousness,” said Eric Shiner, director of The Warhol.

Shiner added: “We are thrilled that BNY Mellon is bringing the life, work and creative genius of Andy Warhol to cities across Asia. This remarkable and extensive collection celebrates anew someone whose life and work define the concept: fame is fleeting, art is eternal.”

“BNY Mellon’s global commitment to the arts is designed to facilitate access and deeper exploration of art through the communities in which we live and work. We are very proud to be supporting The Andy Warhol Museum and bringing this remarkable body of work to Asia,” said Steve Lackey, chairman of Asia-Pacific, BNY Mellon.

With this exhibition, our museum also organizes a series of comprehensive education projects, such as “Snapshot”, series lectures, children’s art experience activity, silkscreen workshop, and other projects. We especially set up an interactive photo area called “Snapshot”, where visitors could take snapshots of themselves, which will be shown on screens or made into badges so that the visitors can get their own 15 minutes of fame looking like one of Warhol’s portraits in Pop art style.

EIPA Redaction

* Photo Album of the exhibition on the FACEBOOK PAGE of EIPA-CONFRONTATIONS :

https://www.facebook.com/media/set/?set=a.536077439772338.1073741825.238876469492438&type=1

* Video (in French) of the exhibition on the website of the daily LE TEMPS (Swiss) :

http://www.letemps.ch/Page/Uuid/0c6ef6f2-b94e-11e2-a31c-6d0e778a8e50/Andy_Warhol_à_Shangaï#.UY-9Sb5V1dg

* Website of the exhibition:

http://www.powerstationofart.org/en/exhibition/overview/5d1cps.html

Philippe Manoeuvre , Isabelle Chelley

avec la contribution de Iggy Pop

chez Albin Michel

Pour les fêtes de fin d’année, les éditions Albin Michel ont publié Rock & Folk History 1966-2012, un livre qui retrace, l’histoire du magazine depuis sa création. L’auteur n’est autre que Philippe Manoeuvre, actuel rédacteur en chef du magazine et animateur de OÜI FM.

Toutes les couvertures du magazine 45 ans de musique en 500 images …

« Je crois que l’attention critique portée au rock en France a toujours été plus préoccupée d’esthétique que disons la critique anglaise ou américaine. La critique française a toujours favorisé la référence à la littérature ou au théâtre. Pour rendre compte de certaines de mes oeuvres les plus isolationnistes des années 70, un critique (de Rock&Folk) avait évoqué Beckett. Incroyablement français, non ? On ne lirait jamais cela dans un journal américain »

- David Bowie

« Qu’est-ce qui est le plus important dans Rock&Folk, les photos ou les artistes ? Les photos bien sûr, les images, toujours. Vous croyez vraiment que les gens lisent tous ces articles très longs ? Non, par contre, ils arrachent les photos pour les mettre au mur de la salle de bain, avec les jolies filles. Les rock critics français sont-ils différents des autres ? Je n’en sais rien, je ne les lis pas, moi, les critiques »

- Mick Jagger

Philippe Manoeuvre, rédacteur en chef du magazine Rock & Folk depuis 1993, est l’auteur de Rock & Folk History 1966-2012. Ce livre retrace l’histoire de la célèbre revue depuis sa création en juillet 1966 jusqu’à aujourd’hui, à travers 500 couvertures piochées dans les différents épisodes de la vie du magazine, commentées par son rédacteur en chef, par ailleurs animateur à OUI FM, et accompagnées d’interviews de personnalités de l’univers du rock.

Philippe Manœuvre est aussi l’auteur de La discothèque rock idéale en 2 volumes (éditions Albin Michel).

Fondé en 1966 par Philippe Koechlin, Robert Baudelet et Jean Tronchot, le mensuel Rock & Folk est entièrement consacré au Rock’n'roll. Il a contribué à populariser le rock anglo-saxon et français auprès du public.

En juillet 1966, il paraissait en numéro hors-série de Jazz Hot avec Bob Dylan en couverture, avant la sortie du premier numéro en novembre 1966, avec Michel Polnareff en couverture.

Rock & Folk a remporté d’emblée un grand succès auprès du public français. A ses débuts, le mensuel fait la part belle à la chanson, avec Brassens, Ferré ou Moustaki en couverture. L’interview-réunion Brel-Brassens-Ferré du 6 janvier 1969 et la photo qui lui est associée sont restées célèbres.

Tout d’abord voulu comme un magazine d’information, Rock & Folk a peu à peu développé une vision intellectualisée du rock, et il faudra attendre 1993 pour que Philippe Manoeuvre, devenu rédacteur en chef, lui donne un second souffle après un long passage à vide.

A travers les 500 principales couvertures du magazine et les interviews de personnalités ayant participé à l’évolution de Rock & Folk, Philippe Manoeuvre nous raconte l’histoire de ce magazine musical devenu un incontournable de la culture rock.

REVUE DE PRESSE /

« Le cimetière du rock »

Billet de DAVID BÉNARD (1.11.2012) :

” En ce jour de Toussaint, quoi de mieux qu’évoquer la mémoire du rock, à travers deux beaux livres rendant hommage chacun à leur façon aux figures incontournables du genre. A ma gauche, Le panthéon du rock, un hommage à toutes les rockstars mortes dans des conditions plus ou moins misérables, en pleine gloire ou déchéance. A ma droite, Rock & Folk History 1966-2012, un retour sur l’histoire du magasine mythique à travers ses 500 couvertures…

(…) Rock & Folk, un ouvrage de l’incontournable Philippe Manoeuvre, rédacteur en chef du canard depuis 1993. Il rend ici hommage à l’histoire du magazine et de l’ensemble de ses collaborateurs (parmi lesquels Jean-Noël Coghe) à travers l’intégralité de ses couvertures ! Au milieu des habitués (les Rolling Stones, David Bowie, les Pink Floyd ou encore Noir Désir) on trouve quelques figures plus folkloriques (sans jeu de mot) et incongrues comme Sylvie Vartan, Georges Moustaki, Robert Charlebois, Niagara, Samantha Fox ou encore Lio. Parfois détonantes (années 70), kitschs (au milieu des années 80) ou plus travaillées (début des années 2000), toutes ces “unes” nous renvoient toutes à notre propre histoire et vécu du rock, que l’on ait 7 ou 77 ans. La préface est signée Iggy Pop et vaut à elle seule le détour.”

224 pages

Editeur : Editions Albin Michel (31 octobre 2012)

Collection : BEAUX LIVRES

ISBN-10: 222620816X

ISBN-13: 978-2226208163

Patrick BARD

Albin Michel

Egalement écrivain, Patrick Bard arpente l’Amérique latine depuis plus de 20 ans, son travail étant centré sur l’autochtonie : ses paysages, ses natures, ses peuples ; et sur la lutte contre les stéréotypes des peuples indiens. La plupart des Indiens aujourd’hui n’appartiennent pas à des communautés tribales traditionnelles. Qu’ils vivent en forêt, à la campagne ou dans les villes, qu’ils se situent en Amazonie, dans les Andes, en Mésoamérique, ils sont insérés dans des sociétés ouvertes, en contact avec des populations diverses, inscrits dans des dynamiques nationales et internationales. Ils sont près de 50 millions en Amérique latine et y constituent un archipel de quelques 400 groupes ethno-linguistiques.

“Depuis un demi-siècle, les Indiens ont entrepris de sortir de la longue nuit inaugurée par la Conquête. Leurs mouvements d’émancipation ont ébranlé un racisme qui ne dit pas son nom et permis à un nombre de plus en plus grand d’entre eux de recouvrer leur dignité, de marcher la tête haute. Mieux, ils ont trouvé un écho auprès de populations occidentales désormais confrontées aux mêmes prédations que les Indiens. Peut-être le temps est-il venu de faire silence. D’écouter. D’apprendre. D’échanger.”

- Patrick Bard et Marie-Berthe Ferrer

PRESENTATION DE L’EDITEUR

Le 12 octobre 1492, vers 10 heures du matin, Christophe Colomb aborda sur une plage des Bahamas et déclencha sans le savoir une révolution planétaire : la découverte d’un immense continent qui allait susciter rêves et passions. Pourtant cette révélation de l’existence des Amériques fut une conquête. Brutale, violente, meurtrière, comme chacun le sait aujourd’hui. Les peuples amérindiens ont bien failli disparaître à jamais, victimes des guerres, des maladies et des déplacements de populations. Mais ils font toujours partie de ce monde qui est le nôtre à force de résistance et de résilience.

C’est le sujet du formidable livre de Patrick Bard : 520 ans après Colomb, il nous entraîne dans un incroyable voyage photographique à travers l’Amérique, de Los Angeles à la Patagonie en passant par les Andes et l’Amazonie. Il se fait le chroniqueur de toute une humanité qui a recouvré sa dignité. Son combat a trouvé un écho nouveau auprès de nous et c’est pourquoi ces photographies nous touchent autant.

REVUE DE PRESSE /

La critique de Lire et Merveilles

par Marilyne - 15 novembre 2012

« Ce splendide ouvrage de collection est un carnet de voyage photographique.

Carnet de voyage car les textes sont autant de chroniques au plus proche des populations mais ce mot carnet ne concerne en rien les dimensions et la qualité matérielle de ce livre grand format de plus de 200 pages.

Romancier, photojournaliste, écrivain-voyageur, Patrick Bard s’intéresse et se préoccupe des peuples autochtones amérindiens depuis 1997. Il raconte en images et en mots. Il a été connu et reconnu pour son exceptionnel travail sur la frontière américano-mexicaine.

Ce livre présente un florilège de presque vingt ans de photographies accompagnées de récits à la rencontre des Indiens d’Amérique Latine, leurs cultures, leurs traditions et leurs réalités contemporaines. Des états frontaliers américains à la Patagonie jusqu’à l’Île de Pâques, Patrick Bard nous invite à voir, savoir, reconnaître :  » ces peuples à qui l’humanité fut d’abord déniée furent presque totalement anéantis, non sans avoir opposé une âpre résistance à l’envahisseur. Une résistance longue de cinq cent vingt ans, qui dure encore et qui est l’objet de ce livre. Car depuis un demi-siècle, les Indiens ont entrepris de sortir de la longue nuit inaugurée par la Conquête. «

Un immense voyage qui rappelle que les Indiens  » représentent 10% de la population latino-américaine, cinquante millions de personnes, un archipel de plus de quatre cents groupes ethnolinguistiques d’une incroyable diversité « , s’insurgeant contre l’invisibilité ou  » l’image folklorisée « , prouvant que les identités et les volontés sont toujours vivantes - que ces populations vivent en ville, en montagne, en forêt - malgré les influences subies, malgré les violences et les menaces au quotidien.

Des photographies couleurs ou noir&blanc, des paroles en témoignages en ouverture de chaque chapitre pour chaque étape, disent les conditions de vie, de survie, et la résistance.

Des rencontres, pas seulement voir des Indiens, voir des gens. »

http://www.lire-et-merveilles.fr/lectures/litterature-non-fiction/sortir-de-la-longue-nuit-patrick-bard-marie-berthe-ferrer-9784

BIOGRAPHIE DE L’AUTEUR

Depuis près de trente ans, Patrick Bard, photojournaliste et romancier, sillonne l’Amérique Latine où il a réalisé un important travail sur les peuples autochtones. Son travail a été exposé au Centre Pompidou, à la Grande Halle de la Villette mais aussi aux Etats-Unis, en Espagne et en Amérique Latine. Il a publié plusieurs ouvrages et romans aux éditions du Seuil. Ses oeuvres ont été acquises par plusieurs musées et collections privées.

Sortir de la longue nuit

Indiens d’Amérique latine

Photographies et texte : Patrick Bard et Marie-Berthe Ferrer

22 x 28 cm, 208 pages imprimées en quadrichromie

couverture brochée avec rabats

plus de 100 photographies

L’atelier d’édition pour les éditions Albin Michel

ISBN-10: 2226208208

ISBN-13: 978-2226208200

# ENGLISH SUMMARY

A book of Patrick bard

Patrick Bard has scoured Latin America for over 20 years. His work is based on the native peoples : their landscapes, natural environments, and on the Indian peoples’ fight against stereotypes. Today, most Indians do not belong to traditional tribal communities. Whether they live in the forest, the countryside or cities, whether they’re in the Amazon, the Andes, or Mesoamerica, they are part of open societies, in contact with diverse populations, falling within national and international dynamics. There are nearly 50 million Indians in Latin America, and they constitute an archipelago of some 400 ethno-linguistic groups. For half a century, the Indians have undertaken to emerge from the “long night” that began with the Conquest. Freedom movements have shaken up latent racism and allowed an ever-increasing number of them to recover their dignity and walk with their heads held high.

The book « Sortir de la longue nuit, Indiens d’Amérique Latine » by Patrick Bard and Marie-Berthe Ferrer, published by Éditions Albin Michel, will be in bookstores on 4 October 2012 and presented in a preview screening during the festival.

On 12 October 1492, at around 10 am, Christopher Columbus set foot on a beach in the Bahamas and unwittingly sparked a global revolution : the discovery of an immense continent that would awaken dreams and passions. However, this revelation of the existence of the Americas was a brutal, violent, murderous conquest, as we now know. The American Indian peoples nearly disappeared forever, as victims of wars, diseases and displacements of populations. Yet they are still a part of this world of ours through their sheer resistance and resilience. This is the subject of Patrick Bard and Marie-Berthe Ferrer’s amazing book : 520 years after Columbus, they lead us on an incredible photographic journey through the Americas, from Los Angeles to Patagonia, via the Andes and the Amazon. They become the chroniclers of an entire people that has recovered its dignity. Their struggle has found a new echo among us, which is why these photographs are so moving.

Pierre Vallaud

Ed. L’Archipel

Un ouvrage de géopolitique qui adosse les situations mouvantes d’aujourd’hui à l’Histoire. Essentiel pour comprendre ce qui est en jeu, sur le flanc sud de l’Europe, au moment du grand choc du « printemps arabe ».

Longtemps « centre du monde », la Méditerranée qui avait perdu, au fil des siècles, l’importance considérable qui était la sienne, demeure aujourd’hui l’un des centres névralgiques de la planète.

Lieu de passage essentiel pour le commerce international, voisine de zones pétrolières et gazières fondamentales, ligne de contact entre Nord et Sud, mais aussi entre Orient et Occident, elle concentre nombre des contradictions du monde.

Les « printemps arabes », directement issus de ce projet de « Grand Moyen Orient », qui se jouent - où sont joués - sur ses rives, la crise en Europe, et singulièrement en Grèce, confèrent à cet espace géopolitique un rôle renouvelé. De sa capacité à embrasser un nouvel ordre politique et à organiser une coopération internationale harmonieuse dépend la stabilité d’une région au carrefour de l’Europe, de l’Afrique et de l’Asie.

Cet atlas présente et analyse les grandes dynamiques de la Méditerranée.

Frontière ou passerelle naturelle ?

« Choc des civilisations » ou « dialogue des cultures » ?

Cohabitation harmonieuse entre populations riveraines ou flux migratoires menaçants ?

Autant de questions abordées de manière thématiques ou à travers l’analyse des situations par pays et illustrées de documents et de nombreuses cartes originales.

SOMMAIRE :

L’ESPACE MEDITERRANEEN

LES RESSOURCES EN QUESTION

L’HOMME ET LA MER

TECTONIQUE DES FORCES

PERSPECTIVES MEDITERRANEENNES

PRESENTATION PAR PIERRE VALLAUD DE SON ATLAS :

« La Méditerranée, un centre névralgique ? Cela ne date pas d’hier : marchands, soldats, migrants, touristes, savants … Le destin de ces figures méditerranéennes évoquent l’histoire riche, mouvementée et paradoxale d’une région faite de conflits, de ruptures mais aussi, et surtout, de partages et d’échanges.

À peine entamé, le 21e siècle vient déjà rebattre les cartes et confirme ce constat. Ses soubresauts font d’ailleurs du bassin méditerranéen l’un des points d’observation privilégiés des enjeux les plus contemporains. »

L’AUTEUR

Pierre Vallaud, historien, a enseigné les relations internationales au XXe siècle à l’université Saint-Joseph de Beyrouth et dirigé le Centre d’études stratégiques (Cerges).

Auteur de nombreux ouvrages sur l’histoire des conflits contemporains, il a publié un Atlas géopolitique du Proche et du Moyen-Orient (avec Xavier Baron, PUSJ/Perrin, 2009) et dirigé l’Atlas historique de la Méditerranée (PUSJ/Fayard, 2009).

Parmi ses autres nombreux ouvrages, Histoire du XXe siècle (Marabout, 1989), L’Exode(Perrin, 2000), La Seconde Guerre mondiale (Acropole, 2002), Les Français sous l’Occupation(Pygmalion, 2002), La Première Guerre mondiale(Fayard, 2004), La Guerre d’Algérie (Acropole, 2005), Les Guerres du XXe siècle (Acropole, 2008…

Nb de pages : 160 p.

ISBN : 978-2809806182

Pour sauvegarder l’avenir de ses albums, Schuiten donne des centaines de ses planches !

Rédaction EIPA /

Revue de Presse

# Intéressant édito de Guy Duplat dans LA LIBRE Belgique du 10/04/2013,

Avec une splendide Une de Schuiten :

« Il y a quelques jours la nouvelle avait fait grand bruit. “Le Monde” en France y a consacré près de deux pleines pages ! François Schuiten, le grand auteur bruxellois de bande dessinée, l’auteur avec Benoît Peeters des “Cités obscures” et de tant d’albums donnait à de grandes institutions 80 % de ses 1500 planches et illustrations originales, 80 % de l’œuvre de toute une vie. Un geste fort pour assurer, explique-t-il, la pérennité de ses albums et le respect envers ses lecteurs. Un geste généreux car il eût pu vendre ses planches au prix fort. Mais il a préféré, à un gain immédiat, l’avenir de son œuvre (…) cette démarche d’autant plus méritoire qu’en Belgique, on a bien peu le souci de conserver le patrimoine culturel (…)

Depuis qu’on a appris cette donation, y compris à la Bibliothèque nationale de France (BNF), François Schuiten n’a pas reçu un seul coup de téléphone d’un responsable politique ou de musée. Rien. »

# Dans la LIBRE, Schuiten explique aussi sa décision,

A lire pour comprendre comment les états, Belgique, mais aussi France pourtant sensible au prestige culturel, se désintéressent des artistes et de leurs oeuvres :

Extraits : « J’espère , nous dit-il, que ce geste provoquera une réflexion sur le sujet de l’avenir de nos œuvres mises en danger par la fragilité des nouvelles technologies. Mais hélas nous vivons dans des sociétés amnésiques où il est difficile de poser la question du patrimoine. Avec les technologies nouvelles, on croyait avoir le Graal et on le répétait avec arrogance. Mais chaque époque a sa fragilité technologique. Regardez les lettres d’aujourd’hui, il n’en restera rien. Ce qui me pousse n’est pas l’orgueil de voir mes albums sauvés, mais bien le respect des gens qui demain voudront peut-être encore lire mes livres et ont le droit d’avoir des livres de parfaite qualité, imprimés à partir des planches originales et pas des ersatz réalisés à partir d’albums existants. Mais la question que je pose est aussi éthique, surtout en Belgique. Cette question ne semble pas vraiment interpeller l’État. Or un pays qui n’est pas capable de reconstruire son histoire ne peut pas s’inventer un avenir »

« Quand on a, comme moi, passé tant d’années à dessiner des planches, on se préoccupe forcément de leur avenir. Ces planches originales pourront-elles continuer à être utilisées pour imprimer des albums de qualité ? On a longtemps laissé croire que les nouvelles technologies sauveraient tout. Mais déjà, le film était fragile. Il y a des fichiers qui se perdent ou qu’on ne peut plus ouvrir. La technologie avance et innove, rendant l’ancienne caduque. Si on ne peut repartir des planches originales et qu’on doit se contenter des fichiers actuels trop faibles, on ne pourra par exemple, quand on inventera cela, “entrer dans l’œuvre”, “animer les couleurs”. Il faut sauver les originaux.

(…) Prenez l’album mythique “Arzach” de Moebius des années 70. Il a vendu les originaux, on ne peut plus partir des films. On doit donc repartir des anciens albums imprimés, c’est désastreux. Voyez Raymond Macherot qui vient de mourir et pour qui j’ai une énorme estime. On l’a laissé disparaître dans l’anonymat. L’État ne s’est jamais occupé de sauver le patrimoine de celui qui créa Chlorophylle et tant de BD de notre enfance

(…) Ce fut déjà le cas à la succession Magritte. Un pays qui s’enorgueillit d’être la patrie de la bande dessinée laisse partir des grands auteurs et leur œuvre dans l’anonymat. Avec Philippe Geluck, j’étais allé voir Didier Reynders pour demander ce que l’État pouvait faire pour sauver ce patrimoine. Mais nous n’avons jamais eu de suite. Toute une partie de mon œuvre est axée sur la sauvegarde du patrimoine, entre autres architectural à Bruxelles. Rien n’a changé (…)

Des gens m’ont dit que j’étais fou. Mais je n’ai pas cédé aux sirènes. Mes enfants auraient été obligés de vendre de nombreuses planches et disperser les albums pour payer les droits de succession. J’ai donc donné toutes les planches de mes albums, autant les albums noir et blanc que ceux en couleurs, les plus fragiles. Et quand on donne, on ne peut plus changer d’avis. Cette décision fut comme une libération. Mon métier est de dessiner et de réaliser des albums, pas de gérer des prix et une valeur marchande devenue perverse. Mais bien sûr, contractuellement, les institutions bénéficiaires doivent s’en occuper, accepter qu’on les utilise pour de nouvelles impressions d’albums ou pour des expos. Je me devais de garder le contrat moral avec mes lecteurs. Je leur dois de leur laisser demain la possibilité d’avoir encore des albums bien imprimés et pas massacrés parce qu’on n’aurait plus les originaux. Le marché de la bande dessinée est fragile. Il y a 5000 nouveautés chaque année. Et l’économie d’un album devient parfois liée plus à la vente des planches originales qu’au tirage des livres. »